Dentro del programa dedicado a la Colección Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza, desde mañana el museo presenta una exposición de Kenny Scharf (Los Ángeles, 1958), miembro destacado del movimiento artístico del East Village de Nueva York en la década de 1980 y pionero del arte urbano contemporáneo, junto a Jean-Michel Basquiat y Keith Hering y a su mentor, Andy Warhol.

   En su obra aparecen constantes referencias a la cultura popular y al surrealismo combinadas con figuras antropomórficas fantásticas. Sus composiciones extáticas y una paleta de color deslumbrante producen un efecto de experiencia inmersiva que es a la vez íntimo y novedoso.

   El trabajo de Scharf en pintura, escultura, instalaciones, murales, performance y moda refleja un compromiso con la creación de formas de arte dinámicas que cuestionan y desestructuran las jerarquías artísticas establecidas, en sintonía con la filosofía de los creadores pop. Sin embargo, su relevancia artística trasciende este movimiento: él mismo acuñó el término “surrealismo pop” para describir su estilo único.

   La participación de Scharf en la Bienal Whitney de 1985 marcó el inicio de su proyección internacional, una reputación que continúa creciendo hasta la actualidad, cuando su obra forma parte de las colecciones de destacados museos de Estados Unidos, Brasil, Alemania, Países Bajos y Japón, entre otros.

   La Fundación ARCO impulsa una nueva edición de los ARCO GalleryWalks, una iniciativa que invita al público a descubrir las galerías, sus exposiciones, artistas y galeristas, y a acercarse a la actualidad de la creación contemporánea a través de recorridos guiados y gratuitos en Madrid, Barcelona, Palma de Mallorca y Valencia.

   Las galerías madrileñas volverán a abrir sus puertas al público con las visitas guiadas ARCO GalleryWalks. Del 17 al 19 y del 24 al 26 de septiembre, se pondrán en marcha los recorridos para visitar las galerías por las zonas de Carabanchel, Centro, Chamberí, Lavapiés, Letras, Salamanca y Salesas. Además, tras la buena acogida del año pasado regresa Apertura Kids, diseñado para ofrecer un primer contacto con el arte contemporáneo al público infantil.

   La Fundación ARCO estará también en Barcelona en la 12ª edición de Barcelona Gallery Weekend, organizada por ArtBarcelona. Galeries. Los ARCO GalleryWalks se celebrarán los días 20 y 26 de septiembre, y marcarán el comienzo de la temporada expositiva en la ciudad.

   Como parte de la programación del 30 aniversario de la Nit de l´Art –que dará comienzo el 19 de septiembre-, se iniciarán las rutas por Palma de Mallorca, organizadas en colaboración con Art Palma Contemporani, que acercarán al público la programación de las principales galerías de la isla.

   Asimismo, Valencia iniciará su periodo artístico con Abierto València, organizado por LAVAC, del 17 al 25 de septiembre. En este contexto, los recorridos por las galerías facilitarán el encuentro entre el público y la escena artística valenciana.

   Todavía quedan casi dos meses para que termine la exposición de Jasper Johns en el Gugghenheim de Bilbao. “Night Driver” presenta cerca de ciento cuarenta obras incluyendo pinturas, esculturas, dibujos, grabados, un libro de artista y una escenografía.

   Entre 1954 y 1955 Jasper Johns destruye su obra anterior y pinta su primera bandera norteamericana, inaugurando una serie de obras icónicas con signos y elementos planos de temática cotidiana que anticipan el arte pop.

   Alejada de retóricas expresionistas, la obra de Jasper Johns se caracteriza por una aproximación irónica y contenida, no exenta de carga emocional, considerándose, asimismo, precursora del minimalismo y del arte conceptual.

   Jesús Cisneros Laguna (Jesús Cisneros) ha sido galardonado con el Premio Nacional de Ilustración, correspondiente al año 2026, a propuesta del jurado reunido hoy. El jurado ha destacado al ilustrador por “la excepcional calidad de una obra potente y expresiva en la que se produce una perfecta simbiosis entre fuerza, sensibilidad y narrativa visual”.

   Asimismo, el jurado ha señalado que, utilizando una gran variedad de técnicas, Jesús Cisneros “muestra una extraordinaria habilidad para, desde la gestualidad y el humanismo, crear escenarios mágicos que sumergen al lector en un mundo sereno y apacible. A través de formas simbólicas potentes que evocan la espontaneidad del boceto, el autor revisita lo popular captando su esencia y logra comunicar la máxima expresión. Cisneros con un lenguaje universal, primitivo y fresco, ha conseguido impactar a muchas generaciones de ilustradores en todo el mundo”.

   El Ministerio de Cultura concede este premio con el objetivo de reconocer y distinguir el conjunto de la labor realizada por una ilustradora o ilustrador español en el ámbito del libro y de las letras en cualquiera de las lenguas oficiales españolas. El premio está dotado con 30.000 euros.

   Jesús Cisneros (1969) realizó estudios de historia del arte e ilustración en Zaragoza, su ciudad natal. El dibujo ha sido vital para él desde una edad muy temprana, sin embargo, trabajó como diseñador gráfico durante muchos años antes de dedicarse por completo a la ilustración. A partir de ese momento, optó por construir una carrera dedicada a la ilustración, la enseñanza y la colaboración con instituciones, empresas y grupos independientes.

   Como coautor o autor único, ha publicado más de 30 libros de literatura infantil, juvenil y para adultos, así como libros artísticos y experimentales. Asimismo, ha participado como ilustrador de portadas y en obras colectivas para diversas editoriales en Latinoamérica y Europa. Su trabajo ha sido expuesto en muestras individuales y colectivas en galerías y museos de España, Francia, Portugal, Italia, México, Corea, Turquía, y Ucrania. Algunas de sus obras han sido seleccionadas en varios festivales internacionales, como la bienal Ilustrarte en Lisboa y la exposición de ilustradores de la Feria del Libro de Bolonia.

   Ha recibido reconocimientos como el Ospite d’Honore Le immagini della fantasia della Mostra Internazionale per l’infanzia de Sàrmede, Italia, en 2025; una mención en la Bienal Ilustrarte por ‘Kintaró’ en Lisboa, Portugal, en 2018, y otra por ‘Central Park’ en 2016 en esta misma Bienal; el Premio Nacional al libro mejor editado por ‘Eugene Pickering’ en 2010; el Premio Lazarillo de ilustración en 2007; y el Premio Speciale Miglior Illustratore I Colori del Sacro 2012, otorgado en Padua, Italia; entre otros.

   ARCOmadrid ha otorgado el II Premio Juana de Aizpuru a la Galería Elvira González, en reconocimiento a su recorrido histórico y compromiso con la feria de arte contemporáneo.

   “Nos sentimos muy honradas en recibir este galardón por la labor de la galería y la profesión de galerista”, señalan Elvira e Isabel Mignoni, directoras de la galería. “ARCO es un hogar para nosotras, la mejor plataforma que hemos tenido tanto a nivel nacional como internacional y recibir este premio nos vincula todavía más a la feria de nuestra ciudad”.

   La Galería Elvira González abrió sus puertas en Madrid en febrero de 1994. Fundada por Elvira González, actual referente del galerismo en España tras dirigir durante 30 años la Galería Theo, hoy está dirigida por sus hijas Elvira Mignoni e Isabel Mignoni. Especializada en arte moderno y contemporáneo europeo y estadounidense, su trayectoria incluye exposiciones de artistas fundamentales como Mark Rothko, Pablo Picasso, Joan Miró, Alexander Calder, Donald Judd, Dan Flavin, Sol LeWitt, Gego, Robert Mapplethorpe o Michelangelo Pistoletto, así como de figuras consolidadas del arte contemporáneo como Olafur Eliasson, Miquel Barceló, Chema Madoz o Juan Uslé, entre otros.

   Organizada por IFEMA MADRID, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCO, se celebrará del 4 al 8 de marzo en los pabellones 7 y 9 de IFEMA MADRID.

   El próximo 19 de marzo esta exposición verá la luz en el museo de Bilbao y está organizada por el San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) y el Museum of Modern Art, Nueva York (MoMA) con la ayuda del Guggenheim.

   Las obras de la exposición incluyen las conocidas esculturas de alambre en bucle de Ruth Asawa, así como sus obras realizadas con alambre atado e inspiradas en la naturaleza, además de fundidos de arcilla y de bronce, papiroflexias, pinturas, dibujos, cuadernos de bocetos y grabados realizados entre 1947 y 2006.

   La obra de Asawa trasciende las distinciones entre abstracción y representación, figura y fondo, y espacio positivo y negativo, y nos invita a contemplar cómo elementos muy heterogéneos se relacionan entre sí en composiciones que a su vez interactúan con su entorno.

   En el marco de la conmemoración internacional del centenario del nacimiento de Robert Rauschenberg (1925–2008), el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, con el apoyo de la Robert Rauschenberg Foundation, presenta una instalación especial en torno a Express (1963), una de sus pinturas serigrafiadas más representativas, perteneciente a la Colección Thyssen-Bornemisza en el museo hasta el 24 de mayo.

   La instalación propone nuevas perspectivas sobre esta pieza clave en la trayectoria del artista. A través de ella se exploran tanto las fuentes de su rica iconografía como el impulso experimental que llevó a Rauschenberg a eliminar fronteras entre disciplinas y a colaborar con creadores de ámbitos como la danza, la performance, las artes visuales o la ciencia. También se dedica atención a la importancia de esta obra en su consagración internacional, al recibir en 1964 el Gran Premio de Pintura de la Bienal de Venecia.

   Esta propuesta se inscribe en un año de actividades y exposiciones que revisan la figura de Rauschenberg desde un enfoque contemporáneo, destacando su influencia en artistas actuales y su creencia en el arte como herramienta de transformación individual y social.

   A mediados de la década de 1950, Rauschenberg comenzó a producir sus combine paintings (1954-64), una mezcla de pintura, escultura, collage y objetos encontrados, procedentes en su mayor parte de la sociedad de consumo. En 1962, influido por Andy Warhol, inició su experimentación con la serigrafía comercial, una nueva técnica que se convirtió en la base de su trabajo en los siguientes años, ya que le permitía ampliar, repetir y superponer en los lienzos imágenes fotográficas de su archivo o publicadas en periódicos y revistas, que plasmaban su universo visual.

   Express pertenece a este grupo de pinturas en las que Rauschenberg utiliza la serigrafía. Las fotografías reflejan el ritmo acelerado de la sociedad de su época y muchas de ellas hacen referencia al movimiento: la imagen repetida del jinete sobre el caballo saltando una valla, los bailarines, el escalador, las ruedas y una figura desnuda que baja una escalera, entre otras.

   El montaje especial, que se presenta en la sala 48 de la colección permanente, reconstruye su proceso creativo que comenzaba con la selección de las fotografías que iba a utilizar. En una vitrina se muestran muchas esas imágenes, procedentes en ocasiones del archivo personal de Rauschenberg o, la mayoría de las veces, de revistas y periódicos estadounidenses, como el New York Daily News o Life Magazine, que sirvieron de base para el lienzo.

   Posteriormente enviaba estos recortes a un fabricante para que, con ellas, produjera grandes pantallas serigráficas. Sobre estas pantallas, aplicaba tinta serigráfica para transferir después las escenas al lienzo. Por último, añadía trazos gestuales con pinceles, trapos o sus propias manos.

   Esta obra, además, fue una de las que Estados Unidos presentó en la Bienal de Venecia de 1964, en la que Rauschenberg fue galardonado con el Gran Premio de Pintura, convirtiéndose en el primer artista norteamericano en obtenerlo. Debido a las dimensiones del pabellón estadounidense, casi todas sus obras se exhibían en un palacio del Gran Canal, pero cuando el jurado decidió concederle galardón, algunas de ellas se trasladaron al recinto oficial. Se presentan ahora cinco instantáneas tomadas entonces por el fotógrafo italiano Ugo Mulas. Entre ellas se encuentran dos que recogen el traslado de las obras en barca por los canales, además del catálogo general de la Bienal y del catálogo del pabellón de Estados Unidos.

   La muestra se completa con la proyección de un vídeo que incluye imágenes del artista trabajando en Barcaza (1962-1963), una de sus primeras pinturas serigrafiadas, y de su primera coreografía, Pelícano, estrenada en 1963.

   Desde el próximo 5 de diciembre hasta el 3 de mayo del 2026 el museo Guggenheim de Bilbao acogerá la exposición "Artes de la Tierra" de 40 artistas entre los que se encuentran Giovanni Anselmo, Joseph Beuys, Heidi Bucher, Agustín Ibarrola, Richard Long, Ana Mendieta, Fina Miralles, Asier Mendizabal, Delcy Morelos, Mar de Dios, Frederick Ebenezer Okai, Gabriel Orozco, Asad Raza, Michelle Stuart, Meg Webster o Héctor Zamora.

   Esta exposición explora los modos en que el arte contemporáneo nos relaciona con el suelo como espacio material y ecosistema compartido considerando una amplia variedad de referentes de la actividad artística en contextos naturales, desde el Land Art al Arte Povera o el Conceptualismo activista, la exposición sigue el hilo conductor de los materiales (tierra, hojas, ramas, papeles y textiles, documentos de archivo) para conectar las obras de un modo que trasciende las etiquetas de movimientos y corrientes establecidas.

   El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza organiza desde mañana hasta el 25 de enero del 2026 una exposición que reúne la obra de Andy Warhol y Jackson Pollock, dos nombres clave en el arte del siglo XX, quienes plantean problemas relacionados con las nuevas estrategias espaciales. Se trata de dos figuras extraordinariamente complejas, en apariencia muy distintas, pero unidas, igual que otros artistas de esa generación también presentes en la muestra, por sus preocupaciones hacia los cambios en la tradición pictórica, lo espacial y, en algunos casos, el uso de los grandes formatos.

   Las obras reunidas en esta exposición permiten descubrir cómo Jackson Pollock (1912-1956) no siempre fue un “maestro abstracto” así como revelar a un Andy Warhol (1928-1987) más complejo que el artista de los temas banales, de la cultura de masas, representados desapasionadamente. A medio camino entre lo abstracto y lo figurativo, cado uno a su modo, ambos propusieron revisitar el concepto de espacio y su uso como lugar de ocultamiento; un espacio revisado a partir de las repeticiones y la serialidad. Trastocaron la noción del fondo y de la figura y desarrollaron un proyecto que, en sus mismas estrategias pictóricas, tenía algo de camuflaje. De hecho, tanto en las obras de Pollock como en las de Warhol aparecen a menudo huellas y vestigios que apelan a ciertas propuestas autobiográficas.

   Fina Miralles ha sido galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas 2025, a propuesta del jurado reunido hoy. El premio, concedido por el Ministerio de Cultura, está dotado con 30.000 euros.

   El jurado ha destacado a la artista por “su rol pionero desde los años 70 en el marco del feminismo y posturas ecologistas tempranas, reivindicando la relación del ser humano con la naturaleza”.

   Además, el jurado ha señalado que “su obra posee una iconicidad muy poderosa que prolonga su vigencia hasta el presente. Lleva cabo a cabo una aguda reflexión crítica del poder en todos sus aspectos. En los últimos años ha realizado una profunda reflexión textual en que aborda la experiencia humana adoptando una perspectiva holística”.

   El premio reconoció en su pasada edición a Pedro G. Romero, uniéndose a una amplia lista de galardonados, entre quienes se encuentran Teresa Lanceta, Rogelio López Cuenca, Dora García, José María Yturralde, Àngels Ribé, Ángel Bados, Ángela de la Cruz o Juan Hidalgo, entre otros.

   Fina Miralles (Sabadell, 1950) es una artista pionera en prácticas conceptuales con las que comenzó a experimentar en la década de los 70. Formada en Barcelona, pasó largas temporadas en América del Sur, Francia e Italia. Su práctica artística suele vincularse al ‘land art’ y a las relaciones entre cuerpo y naturaleza. En sus acciones también aborda la crítica política y las estructuras del patriarcado.

   Entre sus primeras obras destacan ‘Natura morta’ (1972), ‘Dona-arbre’ (1973), o ‘Relació del cos amb elements naturals en accions quotidianes’ (1975). Durante esta época se vincula a espacios emblemáticos de la vanguardia catalana como Sala Vinçon, Sala Tres o Espai 13 de la Fundació Joan Miró.

   A partir de los años ochenta explora lo matérico a través del empleo de la pintura y el dibujo. Proyectos como ‘Doble horitzó’ (1979-1981) muestra la simbiosis entre lo performativo y la práctica pictórica. Un camino que le llevará a una creación progresivamente más introspectiva.

   Con el cambio de siglo se retira a Cadaqués, donde seguirá trabajando en las conocidas como ‘fotoacciones’. Entre sus exposiciones e intervenciones más relevantes destacan ‘De les idees a la vida’ (Museu de Sabadell, 2001), la ‘Nadala’ de la Fundació Joan Miró de Barcelona (2014) ‘Naturaleses naturals 1973-2016’ (Museo Arqueológico Nacional, 2016) o ‘Soc totes les que he sigut’ (MACBA, 2020).

   La obra de Fina Miralles está presente en las colecciones del Museu d'Art de Sabadell, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y el MACBA de Barcelona. En 2018 fue galardonada con el Premi Nacional d'Arts Visuals, que concede el Consell Nacional de la Cultura i de les Arts de la Generalitat de Catalunya.

   Hasta el 22 de febrero del 2026 "Anatomía del espacio" de la portuguesa Maria Helena Vieira da Silva (1908–1992) aunque como artista se le atribuye un origen francés, estará en el Guggenheim de Bilbao a lo largo de ocho secciones temáticas donde la exposición analiza los momentos clave de la carrera de Vieira da Silva desde la década de 1930 hasta finales de la de 1980, prestando especial atención a su interés por el espacio arquitectónico, donde desdibujó las fronteras entre paisajes urbanos reales e imaginarios y fue más allá de las referencias formales a la cultura visual portuguesa y a movimientos de vanguardia como el cubismo y el futurismo.

   La idea del espacio es un tema central en la obra de Maria Helena Vieira da Silva: sus composiciones, que presentan estructuras laberínticas, ritmos cromáticos y perspectivas fragmentadas, captan la esencia de un mundo en perpetua transformación.

   Candela Sierra ha sido galardonada con el Premio Nacional del Cómic correspondiente al año 2025, a propuesta del jurado reunido ayer. El premio, concedido por el Ministerio de Cultura, está dotado con 30.000 euros.

   El jurado ha seleccionado ‘Lo sabes aunque no te lo he dicho’ (Astiberri) porque “es una obra que da peso a la idea a través del recurso narrativo y gráfico. Desde el humor y un cierto regusto ácido y punzante, Candela Sierra indaga en los problemas de comunicación cotidianos, poniendo el foco en la superficialidad de las relaciones, cierta miseria moral que, a veces, nos lleva a comportarnos como ovejas de un rebaño. La magistral y equilibrada narrativa hace imposible abandonar la lectura de estas pequeñas historias geniales, a veces absurdas, aunque dolorosamente verosímiles”.

   Asimismo, el jurado ha destacado de la autora “su mirada fresca y excitante en la forma de entender el cómic y la habilidad para reflejar un afiladísimo análisis de nuestra sociedad sacando todo el jugo a la riqueza expresiva que ofrece el noveno arte”.

   Dentro del programa de exposiciones dedicado a la colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza, el museo presenta la obra de Anna Weyant (Calgary, 1995) hasta el 12 de octubre. Se trata de la primera exposición monográfica de la artista en un museo, e incluye una veintena de pinturas seleccionadas entre su obra más reciente.

   Las obras de Weyant despliegan una gran riqueza de referencias artísticas que abarcan desde el Barroco hasta el arte de la primera mitad del siglo XX, periodos bien representados en el Museo Thyssen. Estas obras dialogan con la selección de cuadros de la colección permanente que se exponen junto a ellas.

   Conocida por sus pinturas protagonizadas por jóvenes mujeres, Weyant capta un mundo suspendido entre lo onírico y lo cotidiano, en un estilo figurativo bien moldeado por la tradición artística. Su enigmática iconografía remite tanto a la cultura popular estadounidense contemporánea como a movimientos de la modernidad de entreguerras como el surrealismo.

   El Museo Guggenheim Bilbao hasta el 9 de noviembre presenta la primera retrospectiva completa en España de la artista estadounidense Barbara Kruger, quien ha seducido al público a lo largo de más de cinco décadas con una obra audaz que incita a la reflexión. Esta exhaustiva muestra explora cómo Kruger utiliza el poder de las palabras y las imágenes para cuestionar las estructuras que configuran nuestras vidas: la identidad, el deseo, la verdad y el control.

   Desde el inicio de su carrera, Kruger ha abordado críticamente cómo funciona el lenguaje en los medios de comunicación, en la política y en nuestros diálogos internos. Inspirándose en las estrategias visuales de la publicidad, emplea frases concisas y asertivas para componer textos en blanco y negro remarcados en rojo o verde; pero, en lugar de vender productos, sus obras reivindican un pensamiento crítico. Frases como “Tu cuerpo es un campo de batalla” o “Compro, luego existo” se han convertido en referentes culturales que suscitan cuestiones de importancia apremiante sobre el género, el consumo y el poder.

   Esta exposición reúne obras que recorren toda su carrera: sus primeras composiciones con imágenes y textos (paste-ups), mensajes impresos en vinilo a gran escala, videoinstalaciones, intervenciones sonoras y piezas de ubicación específica creadas expresamente para el Museo Guggenheim Bilbao. A medida que avanzamos por las salas, el arte de Kruger va desplegándose en los suelos, paredes y pantallas, sumergiéndonos en un ambiente visual y sonoro cargado de intensidad. Su obra no solo pide ser contemplada, sino que induce a experimentar, afrontar y cuestionar.

   Cada año en IFEMA Madrid se celebra la feria de arte más importante de España que recibe el nombre de Arco. Este año las fechas de la feria serán del 5 al 9 de marzo en los pabellones 7 y 9 donde se darán cita 214 galerías destacadas de 36 países, de las cuales el 33% serán nacionales.

   Entre todas ellas cabe destacar las españolas 1 Mira Madrid, Alarcón Criado, ATM, Elba Benítez, Elvira González, CarrerasMugica, Luis Adelantado Valencia, Nordés, ProjecteSD, Sabrina Amrani o T20 y las internacionales con representación en España carlier | gebauer o Mai 36.

   Sin representación en España cabe destacar las internacionales Massimo Minini y Francesca Minini, Casas Riegner, dépendance, Gomide&Co, Plan B, Luciana Brito, Bernier/Eliades, Raquel Arnaud, Sylvia Kouvali o Waddington Custot. También la fidelidad de otras como Thaddaeus Ropac, Jocelyn Wolff, Chantal Crousel, Ruth Benzacar, Peter Kilchmann, Perrotin, neugerriemschneider, Esther Schipper o Thomas Schulte. Y vuelven a depositar su confianza en la feria Capitain Petzel, Max Hetzler o Mendes Wood Dm, Nicolai Wallner, Fortes D'Aloia & Gabriel y Kalfayan Galleries.

   Habrá premios, foros y museos que quieran aumentar su patrimonio, tanto nacionales como internacionales.

   Desde el 21 de este mes hasta el 1 de junio el museo Guggenheim Bilbao presenta Tarsila do Amaral. Pintando el Brasil moderno, una ambiciosa exposición dedicada a una artista considerada figura central del modernismo brasileño. Dividida en seis secciones temáticas, la muestra permite descubrir al público a Tarsila do Amaral (o Tarsila, su nombre artístico) como la creadora de una obra original y evocadora, basada tanto en el imaginario indígena y popular como en las dinámicas modernizadoras de un país en plena transformación.

   En los años 1920, mientras advierte la fascinación exótica que Brasil ejerce sobre su círculo de amigos parisinos, encuentra en el Cubismo un método de análisis y una lógica formal para adueñarse de su paisaje físico y mental, dejando a un lado convenciones y prejuicios.

   Desde hoy hasta el 11 de Mayo el museo presenta por primera vez en su totalidad en Madrid el conjunto de obras de Francesco Guardi perteneciente al Museo Calouste Gulbenkian, gracias a un acuerdo de colaboración entre ambas instituciones. Con un total de 18 óleos y un dibujo, es el artista mejor representado en esta colección de más 6.000 piezas de arte reunida por el financiero Calouste Sarkis Gulbenkian (1869-1955), que, desde 1969, se exhibe en el museo que lleva su nombre en Lisboa.

   Junto a las pinturas de Guardi, adquiridas entre 1907 y 1921, se muestra un dibujo del mismo artista, incorporado en 2002, y un óleo de su hijo Giacomo. Las obras están fechadas entre 1765 y 1791 e ilustran lugares icónicos de Venecia, como el puente de Rialto o el Palacio Ducal, fiestas como la de la Ascensión, los alrededores de la ciudad y algunos caprichos, pertenecientes al final de su carrera.

   Tras una etapa inicial en la que ejerció principalmente como pintor de historia, de temas religiosos, frescos e incluso bodegones, Guardi comenzó a pintar vistas de su ciudad, siguiendo primero el estilo preciso de su predecesor Canaletto para añadir después vitalidad e ilusionismo a sus composiciones. Tras el fallecimiento de Canaletto en 1768, se convirtió en el vedutista más importante de Venecia.

   Mañana el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza organiza la primera retrospectiva en España de Gabriele Münter (1877-1962), una de las fundadoras de El Jinete Azul (Der Blaue Reiter), el legendario grupo de artistas expresionistas con sede en Múnich surgido a finales de 1911, al que también pertenecieron Wassily Kandinsky o Franz Marc, entre otros. De esta manera, el museo continúa con su labor de investigar y reivindicar la obra y el lugar que merecen en la Historia muchas grandes mujeres artistas.

   A través de 145 pinturas, dibujos, grabados y fotografías, esta exposición se propone descubrir no solo su trabajo y la riqueza de su obra, sino también a una artista que se rebeló contra las limitaciones que se cernían sobre las mujeres de su época y que consiguió convertirse en una de las figuras sobresalientes del expresionismo alemán a comienzos del siglo XX.

   La exposición es fruto de un proyecto de colaboración del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza con The Gabriele Münter and Johannes Eichner Foundation y la Städtische Galerie am Lenbachhaus und Kunstbau de Múnich y cuenta con el apoyo de la Comunidad de Madrid y de la Art Foundation Mentor Lucerne. Tras su paso por Madrid, se presentará en el Musée d'Art Moderne de París.

   El Ministerio de Cultura ha adquirido por oferta de venta directa para la colección del Museo Nacional del Prado la obra "La procesión de gigantes en Bruselas el 31 de mayo de 1615", del pintor bruselense David Noveliers, por un importe de 504.450 euros. Este óleo sobre lienzo, de especial interés artístico, antropológico e histórico, fue un encargo de los archiduques Alberto de Austria e Isabel Clara Eugenia, mecenas destacados de la Europa de principios del siglo XVII, cuyo servicio y apoyo a las artes contribuyeron al florecimiento cultural del momento.

   La pintura, datada en 1616 y con una dimensión de 118 x 237 centímetros, forma parte de una serie de ocho cuadros que representan las celebraciones organizadas en 1615 en Bruselas con motivo de la procesión de Nuestra Señora del Sablón, fundada por el Grand Serment (o gremio de los Ballesteros), una de las corporaciones más prestigiosas de Bruselas.

   La incorporación de esta obra a los fondos del Museo del Prado se enmarca en la línea de trabajo del Ministerio de Cultura encaminada a enriquecer y completar el patrimonio cultural español. En los últimos meses, ha adquirido bienes como la escultura "Éxtasis de la Magdalena" de Luisa Roldán para el Museo Nacional de Escultura, en Valladolid; los óleos "Jardín (casa del artista)" y "Retrato del Dr. Francisco Rodríguez Sandoval" de Joaquín Sorolla para el Museo Sorolla; o la treintena de obras compradas en ARCO para el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. El pasado año, el Ministerio de Cultura duplicó la inversión en compra de bienes culturales para las colecciones públicas, hasta alcanzar los 14 millones de euros y las 200 adquisiciones.

   Dentro de su programa de exposiciones en torno a la colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta desde mañana una muestra monográfica dedicada a un clásico contemporáneo, el pintor Peter Halley (Nueva York, 1953). Se trata de la primera retrospectiva de Halley en España desde la que organizó el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 1992 y recorre toda la carrera del artista, de 1985 a 2024. La selección de veinte pinturas, pertenecientes a colecciones españolas, tanto privadas como públicas, ha sido realizada por el propio artista, que también ha diseñado el plan de instalación. La exposición, además, ha sido organizada con la colaboración del Ajuntament de Palma y Casal Solleric, donde podrá verse en la primavera de 2025.

   La entrada en escena de Peter Halley, hacia 1980, rectificó la tradición del arte abstracto-geométrico del siglo XX, dominado hasta entonces por concepciones idealistas y formalistas, situándolo en un contexto social. Para los pioneros de la abstracción, la geometría encarnaba una racionalidad ideal dotada de valor utópico; tanto en su pintura como en sus ensayos críticos y teóricos, Halley reinterpreta la geometría como un medio de confinamiento y control social, con rasgos distópicos. El cuadrado, que había sido objeto de un culto cuasi-religioso desde Malévich hasta Josef Albers, lo convierte con humor crítico en sus iconos de prisiones, celdas y conductos.